摄影:由技术走向艺术

摄影发明时是技术不是艺术。法国人路易·雅克·芒代·达盖尔执著地将眼睛所看到的景象固定在镀银的铜板上，实际上，他当时的身份还是个风景画画家。1839年8月19日，法国科学院与法国研究所对达盖尔这项划时代的发明予以承认，这一天就成为了世界公认的摄影术发明日。
其实，今天能看到的最早的照片还要早上十余年。这样算来，摄影已有180年的历史了。在摄影术得以社会确认并迅速应用的初期，它对欧洲的绘画艺术曾产生过巨大冲击，迫使很多肖像画家改行成为了职业摄影家，并安享这项技术给他们带来的福利。
由于早期摄影的纯客观性，摄影变成个人情感的寄托与宣泄，家族照片遂成为摄影业的经济支柱。整个欧洲贵族们家中陈设照片变成时尚。这种惰性，使得摄影艺术前进的脚步放缓，加之19世纪末电影的发明，摄影艺术相对被冷落。
电影的发明也是技术不是艺术。第一部电影只是让观众在影院中观看一群走出工厂大门的工人。但电影的优势使其迅速成为艺术，并持续至今发展为一门庞大的产业。
德国的文化批评家沃尔特·本雅明在摄影发明百年之际写下了具有预言性的专著《机械复制时代的艺术作品》。本雅明对摄影艺术性的赞赏高度前所未有，他认为大众传媒揭开了人类历史的新纪元，必然产生一种完全表达自由的文化，并能克服以往艺术中的公式化缺陷。
这样说来，绘画的技术掌握不再是天才们的独有，“自然的铅笔”掌握在每一个端起相机的人手中，这种自然的艺术使创作平等，让充满创作欲望的每一个人都可能成为大师。这一点在今天尤显突出。
摄影作为艺术领域中最后一块处女地，大规模地开垦还是在20世纪七八十年代之后。西方重要的博物馆、艺术馆开始有意识入藏摄影作品。许多摄影大师逐渐冲出自己的专业领域，闯入大众的视野，他们的作品不仅仅只在展览上出现，还在拍卖会上出现，以缓慢攀升的价格吸引了藏家的注意力。我们目前知道的摄影作品最高价格是2006年2月14日在纽约苏富比创下，已故的美国摄影家爱德华·斯泰肯的作品《池塘月光》卖了293万美元。另外，在世的德国摄影家安德烈亚斯·古尔斯基的作品《99美分》也连续创下近250万美元一幅的佳绩。
资本作为艺术的赞助人，推动着艺术的发展。艺术虽然在金钱面前常常不自信，但它总是闪耀着耀眼的光芒。一部当代艺术史，实际上仍是一部由金钱(或曰资本)推动的历史。社会的信息传播速度及半径的改变，深深地影响了当代艺术的价值观。
德国著名的东方艺术学者雷德侯认为，中国艺术的构成源于汉字的模件(类似偏旁部首)结构。所以，中国的艺术家们对模件化的创作非常感兴趣，继而久之，中国的收藏家们也对模件化的艺术品追捧。青铜器、陶瓷、玉器就不用说了，连绘画模式化创作也变得非常普遍。凡是有大量存世作品的画家凸显这一特点。四王的山水、郑板桥的竹子、徐悲鸿的马、齐白石的鱼虾等等，无论多少，都可以视为是一幅画。创作者已在不停地重复自己，激情成了日常的锻炼。
由于信息业的发达，催熟了当代艺术。尤其中国的当代艺术中模件化倾向严重，凡在国际市场赢得资本关注的画家无一不是这类画家，张晓刚带有印记的同志，岳敏君的大白牙，方力钧的光头，曾梵志的面具，等等。这种模件化的艺术倾向，恰恰迎合了当代社会对艺术品要求量化的潜在心理。

而摄影，正是将艺术品量化的标准品种。

绝大部分艺术的初期创作一直苦苦追求其原真性，这个过程长达万年。我们今天能够看到的古罗马时期具有极强原真性的雕塑，有着数千年的历史。在这期间，所有的艺术家们都极尽能事强调技巧，再现原真性的艺术创作。可当摄影术发明之后，绘画艺术家们不再强调原真性，印象派、野兽派、达达主义等等作品从观念上改变了人类对艺术的万年追求。

摄影作品的重要性于此可见一斑。
摄影在发明了百年之后才逐渐贴近艺术。在它发明的初期，曾有一场关于摄影与绘画谁更有艺术价值的争论。这场没有结论的争论实际上是对新生事物恐慌造成的。摄影作为一种无干扰、无删节的纯客观的语言手段，正是人类苦苦寻求的通用语言，这种语言的出现无可争议地成为人类文明沟通的一次飞跃。百闻不如一见。

今天，摄影艺术发展极快，许多观念时时更新。纪实、景观、新锐三大板块以不同角度再现人类文明，跨越国界，跨越语言障碍。它让艺术的理解不再成为评论家的专属，让艺术的参与不再是少数人的炫技，让艺术的拥有不再是权贵的特权，让每一个愿意亲近艺术的人同时拥有精神与物质带来的双重快乐。

本雅明说:“艺术作品的机械复制性改变了大众与艺术的关系。”绘画的高超技巧使大众对艺术产生膜拜之情，摄影改变了这些，它让大众能够参与其中，品评高下。一幅好的摄影作品较之同时期绘画，其艺术所达到的高度我们放在五百年后就可以看得清清楚楚。