奢侈品与当代艺术的联姻：若即若离

　过往20年来时尚奢侈品牌与当代艺术的联姻已经司空见惯。而改革开放之初，当中国开始复兴民族艺术时，肯定未曾料到日后的全球奢侈品产业会成为支持甚至推演本土艺术的一支重要力量。大品牌纷纷瞄准中国，一边展示产品，一边与本土艺术家和艺术机构多元合作。这种品牌实践的风生水起在中国还只是近几年的事。奢侈品牌拼命往艺术圈里钻，要的就是那个看似虚无缥缈却能带来真金白银的“艺术气质”;艺术家则嘴上虽不说可是心里都个个明白，成为时尚明星几乎就等于搭上火箭：名利双收!即刻到达! 急于建立声名和财富的中国艺术家与要在中国创建良好声名以及更多财富的西方奢侈品牌;这种无可救药的一拍即合，让二者成为双生姐妹，一路并行。天然的双赢关系，牵引着奢侈品与艺术圈的不断合谋。



　　然而，即使奢侈品有艺术感，像艺术品似的，用艺术形式包装的，甚至是对某些艺术圈产生影响的，但它仍然不是艺术。而艺术家之所以是艺术家，正因有着独立自省的审美和非功用性的思绪。不可能相互成为对方，恰恰才产生了这绵延不绝的若即若离的友好张力。



　　2008年11月15日，北京夜间气温已到零下，但798艺术区尤伦斯当代艺术中心前人声鼎沸。超级法国名牌迪奥(Dior)与22位中国艺术家举行“Christian Dior迪奥与中国艺术家”展览开幕。迪奥品牌创作总监约翰·加里亚诺(John Galliano)亲自出席，国际女星查理兹·塞隆及“007皇家夜总会”邦德女郎伊娃葛林现身，张曼玉、林志玲、汤唯、赵薇、李冰冰、张静初、桂纶镁、名模吕燕、杜鹃等都穿着单薄性感衣裳前来捧场，男影星张震、中田英寿、陈坤的低调奢华亮相也引起阵阵尖叫。迪奥的这场秀，把时尚、奢侈与艺术，诸多环节的巧妙对接，做得淋漓尽致。



　　踏入展厅，最先映入眼帘的并非一件华服，而是艺术家黄锐所做的一件夺目的珠帘装置《白云无尽时》。每一扇珠帘都标识1947到2008的数字。接下来一一看到王度、张洹、李松松、刘建华、郑国谷、卢昊、颜磊、张晓刚、王功新、刘韡、荣荣和映里、邱志杰等艺术家受迪奥之托，特别创作的二十多件Dior主题作品，被放置在叶锦添设计的凡尔赛宫风格的法式庭院空间。迪奥这次看来是铁了心。不甘愿只做赞助商，而是企图参与和推动中国当代艺术创作的进程。



　　“这个秀不仅是关于品牌和市场，而是呈现文化碰撞”，迪奥CEO Sidney Toledano说，“我们原本可以只是单纯地资助艺术家，但这次的概念是请他们以Dior为主题来创作，展现他们是怎么看待迪奥先生和迪奥世界的。当我看到这些历时三个月完成的作品，我被他们的创造力惊呆了。就像观看一个时装品牌的发展。”
　　同时展出的还有出自迪奥先生本人、约翰·加里亚诺设计的高级订制服，Kris Van Assche设计的迪奥男装系列，还有Victoire de Castellane设计的迪奥高级珠宝，以及迪奥香水和配饰系列经典。这样的“混搭”，可见迪奥用心之良苦：“此次展览让中国艺术家以其特有的方式诠释迪奥内涵，完美呈现迪奥在当代世界中重新创造的潜能。”



　　如此不惜血本的并不只是迪奥。几乎所有大品牌都必须“不惜血本”地往艺术圈里钻。谁叫他们是大牌!只是怎么钻?繁简与深浅就得各自拿捏了。借用美术场馆，是最为基础的环境营造。譬如Max Mara。继在德国柏林文化中心和日本东京森艺术中心之后，Max Mara名为“大衣!MaxMara，意大利时尚55年”的品牌回顾展2008年10月19日至11月12日在北京则选择了中国美术馆。展览以雕版、石版画、印刷品等形式呈现自公元1500年以来的服饰历史，同时精选出自上世纪50年代至今的70多件Max Mara大衣，以及国际时尚摄影师与名模合作缔造的Max Mara广告形象。同样的展品，不一样的地点，商品展和艺术展之间仿佛只是一转身的距离。而2008年春天，另一个意大利品牌Ferragamo亦选择上海当代艺术馆推出“不朽的传奇1928—2008” 展，以此纪念菲拉格慕(Salvatore Ferragamo)品牌80年的历程以及和中国15年的发展关系。展品包括541件代表性作品，包括鞋履包袋、服装、围巾和珠宝，以及原材料、皮料和为著名客户订制的木楦。Ferragamo与中国当代艺术的第一次合作早在1992年便开始了。当时Ferragamo邀请11位不同领域的中国艺术家在纽约店面做展览，同时还赞助了当时在纽约国际影像中心的一个中国影像艺术展。



　　的确，在美术馆里做展览是很多走“气质”路线的奢侈品近年来最爱的形式。爱玛仕(Hermes)的丝巾展分别于2007年9月在上海美术馆和2008年3月在北京今日美术馆举行，首次邀请中国画家丁乙为其设计丝巾，演绎西方奢侈品与东方传统韵律的碰撞与融合。导演李玉和舞蹈演员黄豆豆亦合作以丝绸为题的艺术短片《若汐》。丁乙设计的一款名为“中国韵律”的丝巾，成为爱玛仕第一款由中国艺术家设计的丝巾。借着这轮热闹，爱马仕推出号称融入中国元素的限量版丝巾，仅在2007年新开业的中国专卖店内发售。再早些的2006年，“乔治·阿玛尼George Armani30年回顾展”进了上海美术馆。除了美术馆，其他艺术空间也被时尚界青睐。阿玛尼化妆品进驻中国市场在北京798艺术区发布;香港最大的时装集团之一I.T在798艺术区内设置了展馆并为时装品牌举办展示活动……



　　其实，这方面的前锋是纽约的古根海姆(Guggenheim)美术馆。1996年它和Hugo Boss服装公司合作创办了Hugo Boss奖，奖励在当代艺术领域做出突出成就的艺术家。2000年时它举行了乔治·阿玛尼的展览。不久后其他时尚之都如佛罗伦萨、伦敦和巴黎等地的重要美术馆纷纷举办了类似的时尚展。而从2007年10月29日持续到2008年2月11日，洛杉矶当代艺术馆(MOCA)举办的“村上隆作品回顾展”，则更是延伸了展览的商业链。展出包含村上隆历年的艺术创作及其与LV合作过的一系列商品。LV针对此次展览，再次与村上隆合作生产了一组特殊商品“蘑菇男孩”(The Little Mushroom)，并在MOCA博物馆中开设了一个LV门市，专门贩售。其中的限量版手绘Neverfull手包售价约为人民币3.5万元，而一般款只要人民币不到5000元。“我们的合作完成了好多作品，而且影响并成为众多人的灵感。”马可·雅克布说，“它曾经，而且持续是艺术与商业最佳的结合。”
　　无论如何，这些还都只是在既定美术馆内的秀场。为了更别出心裁，更惊天动地，香奈儿(Chanel)于2008年初春推出“流动的艺术”(Mobile Art)全球巡展，首站香港。连展览场馆也是流动的!建筑师扎哈·哈德(Zaha Hadid)亲自为展览设计了一座折叠和运输都方便的梦幻场馆，从一座城市腾空而起，再到另一座城市从天而降。“我要走在时代的最前端!”香奈儿女士的这句话，至今掷地有声。充满未来感的流动建筑、极具创意的新鲜艺术、以及香奈儿经典的菱格纹手袋，在此优美汇合。够大胆，够大牌!香奈儿精品部总裁布鲁诺·帕罗斯基 ( Bruno Pavlovsky)说：“香奈儿女士过去一直热衷于与当代的艺术家合作，这次“流动的艺术”展览，顺理成章地延续了她对艺术的支持，彰显了源源不息的品牌信念。我们希望透过这个展览，进一步肯定香奈儿对创意和前卫艺术的奉献。”



　　除了展览，奢侈品牌还常常冠名设立艺术大奖。万宝龙(Montblanc)和马爹利(Martell)都是其中的老手。1992年，万宝龙就设立了“万宝龙国际艺术赞助大奖”。从2002年开始，万宝龙还专门针对中国艺术家专门设立“卓越艺术大奖”，先后得奖的人包括青年电影导演张扬、著名摄影师顾长卫、指挥家余隆和青年小提琴演奏家吕思清等。此外，万宝龙旗下还有“国际青年艺术家大奖”和“青年导演奖”。



　　在干邑世界里讲求艺术的马爹利，同样选择冠名艺术大奖来做打开中国市场的敲门砖。2004年推出“马爹利非凡艺术人物”。该奖项创办迄今已举办五届, 每年授予四位艺术家。2008年，此奖颁给的是油画家刘野、观念摄影家洪磊、三维装置艺术家夏小万、意大利时尚摄影家马里奥·索兰提。而2007年的名单则是油画家曾浩、空间艺术家施慧、观念摄影家缪晓春和摄影大师保罗·罗维西。借由艺术大奖之名，这些品牌轻易占据了各大媒体的版面，迅速积累极高美誉度。不愧为提升品牌影响力的捷径!



　　而劳力士(Rolex)切实资助年轻艺术家的低调做法，也和自己稳健的品牌诉求相吻合。劳力士早先多是赞助体育和探险活动，但在2002年开始举办“致力于永恒保存世界艺术遗产”的“劳力士创艺推荐资助计划”，每两年一次，为那些无名的有才华的年轻人提供着门槛不低的机会。劳力士邀请视觉艺术、舞蹈、戏剧、音乐、电影和文学类的大师，从多个国家选拔出“门生”送到其门下学习创作，并规定艺术导师和门生在一起的时间不少于6周，每名门生在1年指导期内将接受2.5万美元及其他补贴，指导期结束后，还将得到额外2.5万美元用于创作或发表新作品、参与演出等。之后劳力士还继续与每名门生保持联系，并跟进他们的职业动向。现在这个赞助计划已经涉及了40多个国家和地区。



　　当然，若想更为系统和深入，建立完善的基金会则必不可少。卡地亚(Cartier)在1984年就成立了卡地亚当代艺术基金会。1980年左右，卡地亚国际总裁艾兰·多米尼克·佩兰(Alain Dominique Perrin)以其敏锐的洞察力，预见到现代艺术将成为传达当代社会心声的一个重要途径。当时，整个法国乃至欧洲都从未有过类似先例。卡地亚艺术基金会不但为艺术领域的商业性赞助打开了新局面，更起到了前所未有的推动作用。它的一个重要工作就是当代艺术收藏，总数已达1000多件。在法国除了文化部和蓬皮杜艺术中心这样的国立大机构以外，卡地亚基金会的当代艺术品收藏规模是最大的。2006年4月22日至7月2日，日本东京成为了卡地亚艺术基金会展览的第一站。世界各地当代艺术家在此汇聚一堂，共同欣赏卡地亚当代艺术基金会成立20多年来的珍贵藏品。
　　看看，无论是高调显耀还是低调奢华，大品牌都特别明白，缺了艺术，任何产品都难以上位高雅殿堂。奢侈，是商人通过产品去推销的一种理想生活方式。商人们用艺术来包装各个销售环节，从设计、制造、推广到服务。他们推销着欲望、地位和梦想，千方百计地为顾客带上艺术和品位的光环。路易·威登堪称是这方面的顶级连环高手，长期以来，深谙全方位多角度与艺术圈牢固勾连之道，并且做得枝繁叶茂，硕果累累。



　　路易·威登设计总监马克·雅可布(Marc Jacobs)最热衷于与各种艺术家合作。对当代文化影响深远的艺术家纷纷被拉入到他的设计师合作名单。2000年，他与村上隆合作，将小花、蘑菇、樱桃等绚烂多彩的图案用在字母组合(Monogram)系列上，变换出33种颜色。而2003年推出的樱桃包更是引发抢购潮，一个关于流行、时尚、消费文化与现代艺术的新神话即被全新触动。同时此举也引爆时尚与艺术家合作的风潮。据《纽约时报》报道，该产品已经为路易·威登创下了上亿美元的进账。有评论认为村上隆等人是“在精英文化与大众文化、动漫与时装精品、西方与东方之间，找寻到了一座沟通的桥梁，开创了包容力更宽广的现代美学概念”。



　　2008 年路易·威登又找来了炙手可热的当代艺术家理查德·普林斯(Richard Prince)，以普林斯根据低俗小说创作的著名情色画作《护士》系列作为灵感来源，共同打造了2008 春夏女装系列。这次合作比当年村上隆模式更为彻底。无论配件或服装，普林斯都成为撷取灵感的对象——秀场上俏护士们鱼贯而出，略带透明的护士白袍除呼应2008春夏“裸与透明”的潮流外，更增添了普林斯画中的情色意味。在与路易·威登合作的艺术家中还包括了喜欢涂鸦的艺术家Stephen Sprouse、插图画家Julie Verhoeven和戏剧导演Robert Wilson等。



　　LV在巴黎的新店也首次选用一线艺术家的作品在店内做永久陈列。在这里有美国艺术家James Turrell设计的灯饰;Tim White-Sobieski特别为LV设计的具有空前宽度的视像装置“Alpha”，他称这是一幅以生活、季节流转、成长及变迁为主题的移动绘画;丹麦概念艺术家Olafur Eliasson也专门为LV带来了作品“无知无觉”——一座概念化升降电梯，将店铺的地面和顶层直接联系起来，为每位乘客营造一个“漫无目标”的虚无空间。不得不说，无论是对设计师还是艺术家而言，这种跨界合作都是创作的新途径。2008年早些时候，LV巴黎旗舰店里还举办了一个受到雪铁龙创始人安德烈·雪铁龙André Citro?n's1931 年“丝绸之路”旅行之灵感触动的主题展，中国艺术家包括尹秀珍等人在内的影像和摄影作品也得以展出。同时，LV赞助了一项“路易·威登大奖”，号称让入围参赛者以“旅游的精神”创作，有关作品将巡回亚太区展出;据说这奖项同样为亚洲艺术界的后起之秀提供展示创作才华的机会。随着亚洲市场的日渐重要，LV不仅在2007年赞助杰出亚洲艺术奖Sovereign Asia Art Prize，而且2008年在香港的两家店面中展示当代艺术家的作品，中心区的那一家陈列展望创作的不锈钢雕塑，而在维多利亚港对面的尖沙咀店则展出了周润发的摄影作品。



　　再说说艺术圈内。中国当代艺术市场在近10 年确实得到了前所未有的蓬勃，浮出了一批如张晓刚、岳敏君、王广义、方力钧、蔡国强、曾梵志等有国际影响力的明星艺术家。不能否认，西方众多时尚奢侈品牌已经成为中国当代艺术重要推手之一。看看向这些艺术家提供过赞助与合作计划的大品牌名单便可知晓。比如蔡国强作品中的商业品牌，包括奥迪、卡地亚、Gucci焰火公司、德意志银行、香水、旅游公司、诚品书店等。他还进行跨界创作，与日本著名设计师三宅一生合作“爆炸时装”。而王广义则更是“涉猎”了这个地球上绝大多数的奢侈品牌!这些大牌商标，被一一与信誓旦旦的红卫兵形象“混搭”成画。他的“大批判”也越来越多的被奢侈品牌的公司或个人收藏，并高悬于楼宇。正像独立撰稿人、批评家凯伦·史密斯(Karen Smith)在《王广义：艺术与人民》一文中所说：“王广义的《大批判》系列吸引了西方艺术界的想象力……在这些作品中，社会主义意识形态和商品消费主义相遇冲突……他用不同的西方驰名商标代表消费保护行动的忧虑。在改革开放时代，这两种对立的观念相溶于——‘有中国特色的社会主义’和邓小平关于私人积累财富是可以接受的——这样的个人承诺之中。随着涌入市场份额的渴望，使得人们开始耐心克服中国复杂的进口关税市场规则等困难。政府在此看到了利润，而人们则看到了机遇，王广义也是如此。”凯伦·史密斯继续说王广义“指出了西方对东方的新殖民主义，以及逐渐渗透的物质意义。《大批判》系列结合了西方世界成功品牌构建的过程，并为这种成功提供了论据。创造品牌是一个有目的的情感过程。”今天，消费保护行动早已消失，大品牌可谓长驱直入。但王广义的作品并不过时，因为他体现了中国前卫精神中值得纪念的形象。
　　回顾二者的关系，仅在半个世纪以前，人们非但不认为奢侈品是一种艺术，还认为它是艺术的敌人。虽然上世纪60年代有安迪·沃霍尔(Andy Warhol)给衣服印上了波普图案，伊夫·圣·洛朗借用抽象大师皮特·蒙德里安(Piet Mondrian)在上世纪30年代创作的曲线与色彩构成的名作设计出了著名的蒙德里安裙，但这些还都只是惊鸿一瞥。



　　上世纪七八十年代出现的前卫设计师，开始意图打破时尚与艺术的界限，观念先锋如山本耀司和川久保玲挑战着人们的穿衣习俗，三宅一生更是登上了艺术杂志Artforum的封面。这在今天习以为常的事在当年却曾掀起轩然大波。“艺术家的工作是什么?设计师的工作是什么?他们怎么看待自己的工作?这些工作有什么相似性?又有什么差异?”这些问题的答案一直随着潮流的变迁和商业手段的日益升级而时刻变化着。艺术家与时尚合谋的商业行为，已经堂而皇之，屡试不爽。奢侈品赢了，艺术圈也赢了。不仅艺术家，连画廊和拍卖行都连带享受巨大收益，金融危机前村上隆和普林斯等都是艺术品拍卖市场的宠儿。



　　然而，说到底，奢侈品是一门工艺，必须得作用于身体，这是有别于艺术创作意图的。比如，对时尚而言，同为创作材料的那些布料并不能仅用于观看或保持不动，设计必须要有实用功能，不然它们就是堆废物。插图画家Julie Verhoeven曾受马克·雅可布委托为LV2002春夏的手袋创作图案，也为意大利时尚公司Gibo设计过2003春夏的成衣系列。她由衷地说过，“艺术与时尚几乎是对立的——艺术是完全的自我放纵，你不用为他人着想。时尚则不同，你不能完全地荒谬，如果你对你的服装做这样的事，生意肯定会下滑。”



　　确实，为奢侈品牌做产品设计，怎可能天马行空。一张图纸拍版定案后，滚滚的资金投入随即展开!时尚所背负的这种功能性，使它不得不臣服于商业的要求和操作。而艺术不需要具有功能性，同时严肃艺术更要求艺术家的自觉和独立。时尚奢侈品追踪的是每一个流行季，所以总在不停地变幻着;而艺术是关于不朽、永恒和对事物的洞察力。有人说，时尚关注的和最爱的还是自己，而艺术不过是用来装饰自己的一件漂亮外衣。可是，即使时尚奢侈品是“貌似深刻的浅薄”，难道艺术就一定是“貌似浅薄的深刻”吗?在艺术越来越走下神坛，融入生活，形式多元的今天，恐怕二者之间的泾渭的确没有从前预设的那样分明。现在看来，界限越来越模糊，二者的暧昧融合可能成为一种新方向。变幻的时尚中常常能看到经典的影子，而独立的艺术中往往充斥着日新月异的幻象。二者内在的对立，有可能转化吗?



　　瞧瞧参与由这些大品牌资助的艺术项目，比如开头提到的Dior在UCCA的秀。艺术家们确实得遵循“他的地盘他做主”，毕竟要以Dior为主题来创作。这是相互尊重的潜规则。但艺术家的创作自由在此成为一个微妙话题。对此，参与Dior主题创作的中国艺术家们说，“艺术自由仍然掌握在艺术家自己手中，你接过大笔资助的同时，一定考虑好了艺术家的底线为何。而且委托方对艺术家的足够尊重也让创作情况完全不同。还好，我们还算幸运。” 爱玛仕的第一个中国设计师，艺术家丁乙也标榜此次的丝巾设计，“创作，一切由我决定”。



　　看来，在一个推动艺术也推动奢侈品产业，同样也推动经济发展的全球合作的时代，对于这样跨界的艺术创作和商业推广，及时的认同，显得格外重要。